Mammut Merritt – The Magnetic Fields

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Große Projekte verdienen eine ausgiebigere Betrachtung als herkömmliche Unterfangen. Darum höre ich seit Wochen schon 50 Song Memoir, das nicht eben läppische 5 CDs umfassende Box-Set von The Magnetic Fields. Mastermind Stephin Merritt wühlt hier in seinen Erinnerungen, lässt die ersten 50 Jahre seines Lebens Revue passieren. Die Idee zu diesem Vorhaben kam vom Boss seines Plattenlabels Nonesuch Records, entwickelte sich aber keineswegs aus einer Bierlaune heraus. 1999 bedeuteten die aus 3 CDs bestehenden 69 Love Songs ja Merritts Durchbruch. Seit damals ist Merritt ein Darling der Musikkritik und mehr noch eine Ikone der großstädtisch-liberalen Musikfans. Es war also durchaus nicht bloß künstlerische Bewunderung, die Robert Hurwitz von Nonesuch zu jener Anregung trieb. Ein Opus magnum vom Schlage der 69 Love Songs können nicht viele Songwriter stemmen, für Merritt dagegen scheint der Umfang eines Box-Sets geradezu prädestiniert, wie auch 50 Song Memoir einmal mehr belegt.

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Musikvideo: Kasabian – You’re In Love With A Psycho

Dank sozialer Netzwerke kann man heutzutage Launen und Gemütslagen jederzeit mit der ganzen Welt teilen. Daran ist nichts weiter auszusetzen. Problematisch jedoch wird es, wenn die eigene Befindlichkeit zur alleinigen Argumentationsgrundlage wird. Wenn man also etwas furchtbar findet, weil man sich beleidigt sieht. Es wird in diesem Fall nicht nach der Intention des Tuns geforscht, es zählt ausschließlich die Wirkung am eigenen Leib. Das zeugt schon von Empathielosigkeit. Dass viele Menschen sich daraus einen Sport machen, die Weiten des Internets nach vermeintlich anstößigen Dingen zu durchforsten, die sie zusammen mit Gleichgesinnten als verletzend wahrnehmen können, schlägt dem Fass den Boden aus. Einen solchen Shitstorm hat vergangene Woche auch die britische Formation Kasabian erlebt, als sie das Video zum Song You’re In Love With A Psycho präsentierte. Ein britischer Interessenverband namens Time to Change stieß sich nicht nur an der Verwendung des Wortes Psycho, darüber hinaus fand man auch den Inhalt des Clips äußerst unpassend. Time to Change möchte der Diskriminierung von Menschen mit psychischen Erkrankungen den Kampf ansagen, versucht die öffentliche Wahrnehmung zu verändern. Prinzipiell löblich, aber nicht wirklich zielführend, wenn man vor lauter Verbissenheit jeglichen Sinn für Humor verliert. Denn Kasabians Parodie auf den Alltag in einer Irrenanstalt steht fraglos in der Tradition von Einer flog übers Kuckucksnest. Die Albernheit, die dem Schaffen der Jungs aus Leicester oft innewohnt, ist selbstironisch zu verstehen. Kasabian persiflieren gekonnt ihr Rockstar-Image. Ihr Faible für sehr schräge Inszenierung macht sie zu absoluten Sympathieträgern.

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Schatzkästchen 86: Saint Etienne – Heather

Irgendwann wenn die Erholungsphasen zwischen Exzessen länger und länger dauern, hat man die Jugend mit der ihr eigenen selbstzerstörischen Rücksichtslosigkeit hinter sich. Ab dann trachtet man nur noch danach, möglichst gut zu altern. Was aufs Leben zutrifft, gilt freilich auch für das künstlerische Schaffen. Heute möchte ich mich kurz mit einer Band beschäftigen, von der zwar keinerlei Ausschweifungen aus den Glanzzeiten überliefert sind, die sich aber wirklich gut darauf versteht, mit Stil, Charme und Witz zu reifen. Wo andere Bands nach 25 Jahren im Musikgeschäft schon verdammt alt aussehen, machen Saint Etienne noch immer ausgezeichnete Figur. Angeführt von der unwiderstehlichen Sarah Cracknell hat das Trio über all die Jahre Disco-Glam-Pop von zeitloser Frische perfektioniert. Ein Dahinsiechen in puncto Kreativität ist nicht abzusehen, wie auch der neue Track Heather belegt. Heather kündigt das für Juni avisierte neue Album Home Counties an und offeriert eine Sarah Cracknell, die Hörer nach wie vor – ja vielleicht sogar mehr denn je – um den Finger zu wickeln versteht. Schatzkästchen 86: Saint Etienne – Heather weiterlesen

Konzerttipp: 12.04.2017 – Ja Ja Ja mit IRAH und Mikko Joensuu

Ich bin ein großer Bewunderer skandinavischer Klänge. Doch neben all den musikalischen Qualitäten muss man auch den Vermarktungsfertigkeiten der Nordlichter applaudieren. Frei von jeglichen Eitelkeiten arbeiten Förderprogramme aus Dänemark, Finnland, Island, Schweden und Norwegen zusammen, um Skandinavien als musikalisches Schwergewicht weiter zu etablieren. Von so viel Kooperationswillen könnten sich andere europäische Regionen ruhig eine Scheibe davon abschneiden. Ein Beispiel dafür ist die Reihe Ja Ja Ja, die aufstrebende Acts nach London und Berlin schickt, sie im Rahmen von Club-Nächten auch außerhalb der Herkunftsländer bekannt macht. Und speziell die nächste Ausgabe von Ja Ja Ja könnte großartiger nicht ausfallen, kommen doch das dänische Trio IRAH, der finnische Singer-Songwriter Mikko Joensuu nach Berlin. Was habe ich mir doch in den letzten Jahren die Finger wund geschrieben, um diese Ausnahmeerscheinungen anzupreisen! Grund genug also, nicht nur auf dieses einmalige Konzert zu verweisen, sondern nochmals das Tun der genannten Acts kurz hervorheben.

Photo Credit: Nick_Hune

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Musikvideo: Michael Kiwanuka – Cold Little Heart

Ohne Umschweife möchte ich den Song Cold Little Heart zu einem der Meisterwerke des letzten Jahres erklären. Spät, aber doch ist er mir schließlich vor wenigen Wochen in den Schoß gefallen. Seitdem konnte ich mich an dem zehnminütigen Geniestreich kaum satt hören. Der Brite Michael Kiwanuka ist in den letzten Jahren ja zu einem echten Liebling der Musikkritik aufgestiegen und hat es auch die vorderen Regionen der europäischen Charts geschafft. Diesen Spagat bekommt man mit musikalischer Größe allein nicht hin, dafür muss man durchaus Opfer bringen. So habe ich mit Entsetzen festgestellt, dass im Februar dieses Jahres ein Radio Edit von Cold Little Heart veröffentlicht wurde, der den Song auf ein Drittel der ursprünglichen Länge eindampft, das lange, famose Intro zur Gänze unter den Tisch fallen lässt. Eine Schande, Asche auf das Haupt des Plattenlabels! Aber muss man sich als Künstler der Gegenwart wirklich noch den Zwängen des konstant an Bedeutung verlierenden Formatradios unterwerfen? Ich meine nicht.

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100 Prozent Herzenswärme – When Nalda Became Punk

Wenn man über Menschen sagt, sie seien unkompliziert, dann meint man dies immer als Kompliment. Nennt man hingegen Musik unkompliziert, ist das fast ausnahmslos kaum wohlwollend gemeint. Dabei gibt es legere, eingängige Klänge, die schlicht schmissig und ansprechend sein wollen. Unkompliziert, so zumindest würde ich das Minialbum Those Words Broke Our Hearts der Formation When Nalda Became Punk beschreiben. Der lärmige, pfiffige Twee der im spanischen Vigo beheimateten Formation hat es mir schon 2013 angetan. Er wummert ins Ohr, ohne irgendwelche Sperenzchen. Gerade im tristen Jetzt, in denen man dem Wahnsinn der Welt kaum entkommen kann, braucht es solch quirlige Lieder. Guten (Indie-)Pop erkennt man nicht zuletzt daran, dass er lebendig tönt, sogar wenn die Lyrics bittersüß ausfallen.

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Ein langer Weg – Nadine Khouri

Sinnlich, sublim, samten. Mit den drei Adjektiven wird man dem Gesang Nadine Khouris meiner Meinung nach am ehesten gerecht. Bereits 2010 war ich von ihrer EP A Song to the City überaus angetan, hatte die stimmliche Versiertheit hervorgehoben. Und tatsächlich sind gerade einmal sechseinhalb Jahre vergangen, bis man Khouri jetzt endlich zum sehr feinen Debütalbum The Salted Air beglückwünschen darf. Es scheint also nichts gewesen zu sein, was sich einfach so aus dem Handgelenk schütteln ließ. Glücklicherweise ist auf The Salted Air davon gar nichts zu spüren. Souveräne Leichtigkeit und Eleganz durchweht dieses Werk der im Libanon geborenen und nach der Flucht in England aufgewachsenen Singer-Songerwriterin. Khouri gelingt eine nie vordergründige, vielmehr in Gedanken versunkene Platte mit durchaus versonnenen Anwandlungen. Chic und Tiefgang scheinen perfekt ausbalanciert.

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Schatzkästchen 85: Erasure – Love You To The Sky

Erasure sind ein echtes Phänomen. Ihr fröhlicher, eingängiger Synthie-Pop, der stets nach Party und Tanzboden anmutet, könnte geschmackssichere Gemüter zum Nasenrümpfen einladen. Und doch muss man schon ein ausgesprochener Miesepeter sein, um dem Tun der Herren Andy Bell und Vince Clarke ablehnend gegenüberzustehen. Womöglich liegt es daran, dass das Duo seinen Dancefloor-Stampfern Freude und Lebendigkeit einhaucht. Wo es in dem Genre rasch nach Plastik mieft, gelingt es Erasure, das Leben, die Liebe und eine weltumspannende Verbundenheit zu zelebrieren. Liebenswürdigkeit mag im Normalfall kein musikalisches Kriterium sein, in besagtem Fall erweist sie sich jedoch als Geheimnis des Erfolgs. Nicht minder imponiert, dass Bell nach wie vor mit viel stimmlicher Frische gesegnet ist, wie die neue Single Love You To The Sky imponierend verdeutlicht. Sie kündigt das bereits 17. Album des Duos an, das auf den Titel World Be Gone lauten und im Mai erscheinen wird. Wenn man das Vorgängeralbum The Violet Flame als Maßstab nehmen möchte, darf man davon ausgehen, dass Erasure einmal mehr ganz Erasure sind. An der positiven Lebenseinstellung gepaart mit fröhlichen Synthie-Pop-Hymnen wird sich garantiert nichts ändern. Schatzkästchen 85: Erasure – Love You To The Sky weiterlesen

Der alte und neue Kampf um Heimat – Tinariwen

Heimat ist nichts, dessen man beim achtlosen Blick durchs Küchenfenster ansichtig wird. Heimat offenbart sich bestenfalls in besonderen, erhebenden Momenten. Mehr noch aber in der Sehnsucht, wenn Heimat zum verlorenen Paradies erwächst. Tinariwen können das eine oder andere Lied darüber singen! Die Wurzeln der Formation liegen in algerischen Flüchlingslagern, in welchen die erste Generation der Musiker aufwuchs, da das Volk der Tuareg seit den Sechzigern in Mali verfolgt wurde. Was Ende der Siebzigerjahre als loses Kollektiv musikalisch Gleichgesinnter entstand, war zunächst Ausdruck des Widerstands und der Bitterkeit des Exils. Die Inhalte der Musik fokussierten sich natürlich stark auf das Thema Revolution und bereiteten somit den geistigen Nährboden für die 1990 begonnene Rebellion der Tuareg, die letztlich in einem Friedensvertrag mit der malischen Regierung mündete. Doch Geschichte wiederholt sich. Auch die nächste Generation, die nun neben der alten zu den Instrumenten greift, sieht sich abermals mit Vertreibung und dem Fehlen von Heimat konfrontiert. Sein ein paar Jahren treiben die islamistischen Extremisten von Ansar Dine in der Region ihr Unwesen. Solch Musik, die der Einklang mit Tradition und Lebensraum umtreibt, ist reaktionären, repressiven Eiferern selbstverständlich ein Dorn im Auge. Das neue Album Elwan erfährt seine Existenzberechtigung allein schon darin, dass es sich schlicht nicht unterkriegen lässt. Tinariwens zwischen Moderne und Folklore verorteten Wüstenblues weiter kultiviert.

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Schatzkästchen 84: Forest Swords – The Highest Flood

Zugegeben, ich bin in puncto Kino nicht länger auf dem Laufenden. Vielleicht rede ich also Stuss, wenn ich mir eine Neuauflage der goldenen Zeiten der späten Sechziger und frühen Siebziger herbeisehne. Jene Zeiten des politischen Films als ein Costa-Gavras großartige Filme gemacht hat, die von einem Mikis Theodorakis kongenial musikalisch ausgestaltet wurden. Ebenfalls hervorragend: Gillo Pontecorvos Film Queimada, der die sozialen Spannungen kolonialer Zeiten abbildete. Hier zeichnete der Meister Ennio Morricone für den Soundtrack verantwortlich. Vielleicht gibt es ja auch heutzutage eindringliches Kino mit starken Bildern und toller Musik. Möglicherweise ist es mir nur entgangen. Falls dem jedoch nicht so, könnte man zumindest in musikalischer Hinsicht rasch Abhilfe schaffen. Das Projekt Forest Swords des Briten Matthew Barnes erschafft Klangwelten von höchster Eindringlichkeit. Schon das Album Engravings (2013) vermochte mich zu begeistern. In seinen stärksten Momente vermengt es vorzeitlichen Beschwörungstanz mit dunkler Electronica, besticht mit archaischem Industrial. Ich kann mir richtiggehend ausmalen, wie diese Musik Dystopien begleitet, düsteren Realismus ausstaffiert. Schatzkästchen 84: Forest Swords – The Highest Flood weiterlesen